Photographe, vidéaste et graphiste, Blaise Adilon est un créateur d’images :
« Avec la photographie, je n’utilise pas d’image « seule », simplement issue du déclenchement photographique ; mon travail consiste à faire dialoguer des images entre elles. Cette mise en relation des images se réalise sous forme d’assemblages, de superposition, de collages, de montages, posant aussi la nature de la technique photographique, hier argentique, aujourd’hui numérique. »
Peintre, graveur, sculpteur, plasticien… Jean-Bernard Butin a créé un univers unique. Son exposition propose au visiteur d’entrer dans cet univers, dans son abstraction et sa matérialité, à travers une sélection d’oeuvres multi supports.
En échos à l’exposition d’été du musée Courbet, intitulée « Histoires d’ateliers > de Courbet à Soulages », l’exposition de la Ferme Courbet mettra en perspective l’ensemble de ces oeuvres dans une atmosphère d’atelier.
« Peindre, c’est remettre de la distance, mais aussi de l’espace et du temps. Littéralement du ralentissement, là où l’époque est à la vitesse et à la promiscuité. Peindre, c’est construire un espace pour soi, un lieu de préservation. »
Jean-Bernard Butin
Jean-Michel Lécuyer, né en 1969, est breton, spécialiste de finance solidaire…et photographe. Un camarade bisontin, la rencontre de la sœur de celui-ci, qui deviendra sa femme, et les nombreux séjours dans la région qui ont suivi, l’ont conduit à développer une passion pour les vallées de la Loue, du Lison, de la Brême, du Dessoubre… en grand format.
Vallées sauvages – redevenues sauvages plutôt après la domestication de la force brute des eaux, puis son abandon lorsque l’électricité, infiniment plus malléable, rendit celle-ci inutile ; foisonnements de verts, ombres et brumes, fraîcheur perpétuelle des gorges encaissées, eaux jaillissantes et luxuriance de végétaux… La permanence dans ces vallons d’une sorte d’état naturel primitif, à quelques kilomètres d’Ornans et de Besançon en font d’exceptionnels lieux de méditation, magnifiés par Courbet et ses disciples….Près de 150 ans plus tard, avec sa chambre photographique, Jean-Michel Lécuyer a fixé ces rivières sauvages. Et il se plait à penser que d’autres, dans 150 ans, en 2166 donc, feront de même. Car habitées d’une perpétuelle force vitale, les rivières sauvages du Haut Doubs ont traversé sans une ride les derniers siècles et leurs folies humaines. Souhaitons qu’elles survivent aux bouleversements climatiques, de celui qui s’annonce – contrairement aux glaciers des Alpes, autre passion de Jean-Michel Lécuyer, qui sont d’ores et déjà condamnés…
Élève de l’École des Beaux-Arts de Nancy (DNSEP 1969), la force, l’originalité, la liberté de ses eaux fortes le font très tôt apprécier par ses pairs.
Nommé professeur de gravure à l’École supérieure des Beaux- Arts de Metz en 1982, il y forme un grand nombre de disciples tout en produisant une œuvre personnelle très importante et très diversifiée puisque s’y rassemblent dessins, gravures, peintures, sculptures, installations et objets divers. Son opiniâtreté, son goût pour le monumental, voire la démesure, s’accompagnent d’une curiosité gourmande qui lui fait mettre en place toutes les techniques et tous les matériaux, même les plus insolites, papier, carton, feutre, velours, bois, fonte, acier, cristal, pierre, polyester, et oser, entre eux, d’étonnantes confrontations.
Depuis 1975, Jean-François Chevalier, qui a participé avec des succès flatteurs à de multiples expositions individuelles ou collectives et dont plusieurs œuvres importantes figurent dans des collections publiques, a ainsi créé des recueils de gravures, des stèles-tabernacle, des installations poétiques, des lieux de mémoire et d’émotion.
« Présentés à Flagey, mes travaux entrent en résonance avec le lieu et les paroles de Courbet.
Ici, il est question de choses qui se font au rythme de la vie et de sa géographie.
Immuables, elles se tiennent à la place d’événements sensibles et vibratoires. Elles en décident. »
Conception d’une recherche-action participative dans le cadre du centenaire de la mort de Pergaud
2015 sera le centenaire de la mort de Pergaud. Ses romans sont connus, certains ont été portés à l’écran, leur « cadre » est une partie du Doubs et ils portent à la reconnaissance de soi.
Ce projet de recherche-action se situe au croisement de deux axes
– une expérience déjà faite avec la Fédération des chasseurs du Doubs autour des rapports entretenus avec des tableaux de chasse de Courbet. Cela a pris la forme de groupes de travail de chasseurs (trois) sollicités pour s’exprimer sur une série de tableaux qui allaient être exposés au musée d’Ornans dans le cadre d’une exposition Les chasses de Monsieur Courbet. Leurs lectures ont été restitués dans l’exposition sous la forme de phrases accompagnant les tableaux.
– une interrogation sur ce que ce qui fait la grandeur. Elle a été présente dès le début du travail qui allait donner lieu à l’ethnopôle à travers l’enquête sur les rapports entretenus par les habitants de Flagey avec Courbet.
Barbara Dasnoy vit et travaille à Besançon. Née en 1951 en Allemagne, elle étudie à Göttingen, puis enseigne. S’installe au début des années 70 en France et étudie à la Faculté des Lettres et à l’Ecole des Beaux-Arts de Besançon puis travaille avec Jean Ricardon et obtient son DNSEP.
Ce qui est évoqué ici n’est pas la réalité du lieu ou des lieux, du jardin ou de la maison mais plutôt leur souvenir nourricier qui devient ainsi le sujet réel. Le dessin reproduit une fragmentation des éléments réunis par la mémoire et le geste rend bien compte de l’aléatoire et du fl ou en tant que caractéristiques du souvenir. Il se situe aussi entre son effacement et sa reconstitution. Et en cela on peut voir ici un travail semblable à celui de l’écrivain : saisir un instant de la vie par l’esprit et le formuler par la parole ou comme ici par un vocabulaire pictural qui rend visible, comme le dit Paul Klee, ce moment essentiel ou vrai.
L’exposition célébrera d’abord le lieu même de Flagey et en évoquera d’autres, en particulier du Pays d’Ornans et d’ailleurs, en écho à des textes inédits de Jacques Montredon tirés de son « Journal des lieux et des rêves ».
L’une des caractéristiques essentielles des peintures de Barbara Dasnoy est la claire lisibilité des différents éléments qui les composent. L’avant et l’arrière des surfaces et des lignes, la séquence des plans visuels et des couches de peinture, tout cela peut être clairement identifié par un regard attentif.
Jacques Montredon est maître de conférences honoraire à l’Université de Queensland (Australie) et à l’Université de Franche-Comté. Chercheur sur l’expression gestuelle de l’espace et du temps. Au fil du temps et des voyages, il tient un journal dont certains poèmes apparaissent dans « Roseau(x)» ouvrage à deux écritures composé avec Barbara Dasnoy et publié à l’Atelier du Grand Tétras, 2011.
Né le 4 octobre 1940, entré aux Beaux-Arts à 15 ans, un galeriste d’Amiens l’expose d’abord en 1958. Dans les années 60, il découvre l’Ecole de Paris et rencontre Reyberolles et Alberto Giacometti. Au cœur de la Picardie, il aime travailler sur papier ou carton qui lui permettent pigments, acryliques, pastels ou crayons.
Alain Mongrenier apparait volontiers comme un artiste réaliste, mais surtout expressionniste, confirmant son style et sa technique. Admirateur d’un réalisme brutal, noir, il continue de nourrir un goût prononcé pour Munch, Bosch ou Grûnewald, générations imprégnées de réalisme misérabiliste. Mongrenier retient surtout Schiele et ses portraits psychologiques.
L’univers d’Alain Mongrenier est souvent qualifié de sombre. A ses débuts, après les Beaux-arts d’Amiens, il est inspiré par des thèmes extrêmes : la pauvreté, la maladie, l’angoisse. Des tableaux qui racontent son admiration pour Le Greco, Goya, Soutine et les expressionnistes. Le temps et l’âge passent, ses sources d’inspiration deviennent plus « légères », son trait aussi. Les objets du quotidien et surtout le portrait : voilà ses deux sujets de prédilection.
L’artiste se nourrit du concret et le débarrasse de l’anecdotique. La sensation doit primer sur le sujet, éprouver le regard du visiteur. Par son travail, Alain Mongrenier dit la beauté intime du banal, la préciosité de l’instant. Sa peinture révèle une architecture, une profondeur construite : croisement des lignes, leur interférence, leur dynamique.
« Dès mon enfance, j’ai eu la conscience aiguë de ma fraternité avec le monde : les arbres, les plantes, les animaux, les pierres, l’eau. Je savais d’instinct que j’étais faite des mêmes éléments qui me permettaient une communication intense avec eux. La « bête » toujours présente dans mes images, à la fois protectrice et dangereuse, est là pour rappeler le besoin vital de s’approcher, se frotter à l’autre, de fusionner. »
« Quelque chose me disait que j’étais sur la terre pour protéger ceux que j’aimais, pour apprivoiser la violence, la désarmer, pour ne jamais obéir à la bêtise, ne jamais me soumettre à l’autorité de quiconque, à tout abus de pouvoir.
Aujourd’hui je crois au militantisme du quotidien, à la nécessité de mise en question de soi. Je pense que chaque acte négatif que l’on accomplit participe à l’assombrissement du monde, que chaque action positive participe à la beauté, à la générosité, à l’éclat du rire, à la poésie. »
« Sous l’intensité des couleurs qui animent mes tableaux se cache un regard aiguisé et vigilant sur le monde. Leur chaleur masque un immense désespoir face à la souffrance des hommes et à la force destructrice qui les pousse au saccage.
Cette violence je la porte en moi. Elle est présente dans le regard pensif des êtres que je peins, dans leur interrogation, dans leur mélancolie. Elle est une tentative d’apprivoisement permanent de mon animalité.
Peindre devient un besoin pulsionnel de tisser les fils d’or qui relient les choses.
Chaque jour est un voyage que j’essaie de ne pas ternir ; et face au grand blizzard qui me traverse, je peins la chaleur, la vie, l’amour, la musique, la poésie comme un contrepoint à la difficulté de vivre.
Je suis un voyageur immobile, je porte en moi les mythologies et les couleurs du monde.
Je crée des chemins de broussaille à l’intérieur des mondes que je porte pour essayer de voir clair dans mes trop grands silences, pour ouvrir un passage entre les êtres et les choses, un pont entre la vie et la mort.
Peindre pour résister à toute tentative d’enfermement, pour préserver ma liberté. »
Si la peinture de Pascal Lombard a fait le choix de l’immobilité et du silence, c’est pour proposer de vivifiants moments de méditation visuelle dans deux genres anciens, la nature morte et le paysage, qui sont par excellence ceux qui permettent les interrogations les plus fécondes sur l’essence de la vision et sur le sens qu’un peintre choisit de lui donner.
Pascal Lombard a pris le parti de récuser l’actualité ; il enfonce même le clou en usant d’un idiome que certains tenaient peut-être pour l’une des langues mortes de la technique picturale : la peinture a tempera – un procédé bien plus ancien que l’huile – et qui est depuis longtemps son moyen d’expression exclusif. Outre ses moyens techniques, les motifs qu’il choisit, son goût des formes bien construites et une inclination pour une certaine poésie classique relient son travail à un vaste répertoire de références artistiques.
Cette exposition présente les dernières œuvres de Gilles Touyard, une série consacrée aux «déchets», proposant une vision « réaliste » et contemporaine du paysage.
« Les peintures que Gilles Touyard a intitulées « déchets » sont des paysages qui inspirent au panorama. Un panorama que l’artiste a désiré non pas tant pour rendre lisible un paysage, mais avant tout pour s’y perdre lui-même et s’abandonner à l’égarement le plus intense. Ses toiles embrassent, pour mieux subjuguer, littéralement « mettre sous le joug », soumettre. Et ce qui nous subjugue, c’est l’image fidèle d’un monde sans plus de contenant, de contenance, atlas sauvage de substances échappées, qui ont filtré, coulé, qui ce sont finalement émancipées de toute forme. » Jean-Yvers Jouannais, critique d’art et écrivain.
L’artiste mêle les genres du paysage et de la nature morte. Une forme de dialogue s’instaure avec les œuvres de Gustave Courbet, notamment avec le triptyque Enfouissement à Ornans, sorte de reprise disloquée de L’Enterrement à Ornans, ainsi que les peintures de neige, si caractéristique de l’œuvre de Courbet. Il explique d’ailleurs :
« Les peintres représentant des tas de déchets recouverts de neige évoquent les scènes de chasse de Courbet. Les déchets non recouverts par la nappe de neige émergent de cette blancheur virginale, comme des cadavres, évoquant tout autant le chasseur que le gibier. »